John Huston
es el gran director de la aventura, el viajero, el atrevido, y sus películas
ambientadas en todos los lugares del mundo desde El tesoro de Sierra Madre (1948) hasta Dublineses (1987) ,
pasando por La noche de la iguana (1964),
La reina de áfrica (1951) o Moulin Rouge (1952) están repletas de
emoción, dramatismo y fuerza. Y El halcón
maltés (1941), su primera película es el mejor exponente de ello.
Hay
que partir de que El halcón maltés es una adaptación (muy fiel, hay que
señalar, y de ahí parte de su éxito) de la obra literaria de Dashiell Hammet.
Esta situación es bastante (o en mayor parte) recurrente en la obra de John
Huston que realizó muchas adaptaciones, entre ellas: Dublineses, El honor de los
Prizzi (1985), Moby Dick (1956), La jungla de asfalto (1950), etc. Huston
casi se limita a “copiar” el texto original en el guión cinematográfico, y
dotarlo de unas poderosas imágenes, dándole vida a la novela, cosa que no todos
los directores saben hacer.
El
cine negro (y el subgénero de gángsters) , junto al western y el musical, había
sido el género emblema del cine de Hollywood desde la llegada del sonido. En la
década de 1930 nos encontramos con películas tan emblemáticas como: Hampa dorada (Little Caesar, Mervyn LeRoy, 1930), El enemigo público (The
Public enemy, W.A. Wellman, 1931), Scarface,
the Shame of a Nation (H. Hawks, 1932), etc. Pero estas películas, que
además se centran más en la figura del gángster están repletas de acción y una
cierta “falsedad” de la época representada, eran películas, y
creaban su propio mundo, donde los malos eran los más malos y el mundo era el
perfecto lugar para el crimen. Con El halcón Maltés, Huston, desde el inicio
quiere romper con esto, y lo hace, después de los créditos, con una plano de la
ventana donde los nombres de los policías están, al verlos desde el interior,
del revés para el espectador. Con este inicio Huston nos quiere decir “esto es
la realidad”. Hay que apuntar que la acción se sitúa, principalmente, en
habitaciones, por lo tanto, esa voluntad de ser más realista se expresa en los
personajes y sus acciones: Sam Spade puede ser envenenado como cualquier otro,
no es ese detective invencible. Y aquí reside una de las particularidades del
film, y que lo hace si cabe más interesante, pues la película tiene esa
voluntad realista, pero al mismo tiempo es una producción de una major, Warner Bros y está anclada dentro
del género que está dominando el panorama en los últimos años, por lo que no
puede evitar cierta estéreotipación en su puesta en escena, por ejemplo la
forma de dar y recibir golpes, aparentemente leves y que dejan K.O al enemigo
sin ningún problema. Es una película que está en todo momento entre esas dos
posiciones, y que es al fin y al cabo el resultado del film y de la trama: ese
codiciado objeto resulta ser una falsificación por muy real que parezca, como
la película no deja de ser una representación, y hollywoodiense, de una
realidad que no existe.
Para
continuar con las actuaciones cabe señalar , en palabras de Kim Newman, que “Humphrey Bogart pasa de sus papeles de malo
al de héroe duro (pero que también sufre daños, como hemos comentado
anteriormente) y romántico. Mary Astor
podría parecer demasiado respetable para el papel de mujer fatal, pero la
extraña afectación con que luce sus vestidos ceñidos y sus peinados resulta
apropiada para una mujer que siempre tiene preparada una mentira. El locuaz,
obeso y autosatisfecho Kaspar Gutman de Sydney Greenstreet y el cortés, triste
y perfumado y gimoteante Joel Cairo de Peter Lorre son inmortales de la pantalla”[1].
Y no hay que olvidar la actuación de Elisha Cook Jr, como Wilmer, el callado
pero peligroso sicario de Kaspar Gutman, un personaje que en el futuro será
fuente de inspiración para Alain Delon en El silencio de un hombre (Le samouraï, Melville, 1967). La línea de las interpretaciones entran todas
en este juego entre veracidad en expresiones faciales y comportamientos y la
gesticulación y representación clásicas hollywoodienses al recibir un golpe o
un disparo.
Pero
lo que realmente llama la atención en esta película es su trepidante ritmo,
como el mismo Huston declara: “Justo
después de la secuencia que acabamos de hacer – la de el apartamento de
Brigid – la historia comienza realmente a
moverse. Cuando lleguemos a la secuencia de Cairo y Brigid en el apartamento de
Spade, la trama se convertirá en una montaña rusa”[2].
La película, que concluye con una larga secuencia en el apartamento donde todos
los personajes discuten quién será cabeza de turco y esperan la llegada del
preciado halcón, mantiene aquí su clímax y es capaz de mantener, incluso
superar en algunos momentos, el ritmo previo. Huston hace un montaje muy
dinámico lleno de planos que no permiten aburrirse al espectador y que le
mantienen siempre en alerta. Dentro de esta situación hay que tener en cuenta
el desglose de cada escena donde nos encontramos un estilo muy clásico, típico
del MRI, y que Huston a medida que avance su carrera hará evolucionar. Cada
escena se divide en plano de situación, plano/contraplano (divido en dos:
siempre detrás de Spade – el público protegido por el detective- y Spade
amenzado; o bien, primeros planos de cada personaje cuando estos tiene algo
importante para la trama), vuelta al plano de situación, con el mismo tiro de
cámara que el anterior, para ver el movimiento de algún personaje dentro del
plano, permitiendo así que el espectador no se pierda, y vuelta al juego de
plano/contraplano, plano de situación, el personaje se marcha y final de la
escena.
Un
último punto destacable es el final, ideado por el productor Jack Warner, de
cambiar el final original por Bigrid siendo encerrada, metafóricamente, en el
ascensor, situación previa a lo que le sucederá y ha provocado Spade. Y añadir
la frase de Shakespeare: “Esta hecho con
el material con el que se fabrican los sueños”. Y es que el cine, como demuestra esta
película, esta hecho con este material y nos puede llevar a historias de todo
tipo y a cualquier lugar del mundo, como el cine de John Huston.
