Cine vietnamita. Una aproximación

Nuestro reciente viaje al sur de Vietnam nos ha despertado mucha curiosidad sobre su posible cinematografía, muy esquiva para nosotros pese a tener películas muy reconocidas, especialmente en el cine reciente. Quizás, os suene es El olor de la papaya verde (Mùi đu đủ xanh, Trần Anh Hùng, 1994), primera película vietnamita en estar nominada a los Oscar. Pero, ¿qué más podemos encontrar sobre el cine de este país? Eso nos hemos preguntado y hemos buscado textos académicos por Internet.

Por desgracia, aquellos que parecen más completos e interesantes son de (desorbitado) pago. Por si alguien los quiere consultar son estos dos textos de John Charlot, Vietnamese Cinema: The Power of the Past de John Charlot y Vietnamese Cinema: First Views. También los textos de Annette Hamilton Renovated: Gender and Cinema in Contemporary Vietnam y de Lan Duong Close up: The female gaze and ethnic difference in two Vietnamese women's films. O se debe pertenecer a alguna institución (quizás con subscribirse basta para poder acceder), como es el caso del texto de Laurel Westrup Toward a New Canon: The Vietnam Conflict Through Vietnamese Lenses.

Por suerte hemos dado con el libro Consuming Urban Culture in Contemporary Vietnam (2003), editado por Lisa B.W. Drummond y Mandy Thomas para Routledge. En este libro podemos leer (aunque no completo, pues GoogleBooks omite algunas páginas) el texto Representations of doi moi society in contemporary vietnamese cinema, escrito por Dan Nhat Minh y Pham Thu Thuy. También hemos encontrado un texto de Dana Healy: Laments of warriors’ wives. Re-gendering the war in Vietnamese cinema. De la propia Healy también se puede acceder a otro artículo, pero esta vez bajo otro desorbitado precio: From triumph to tragedy: visualizing war in Vietnamese film and fiction.

Pero, no nos desanimemos. Un texto muy interesante se escribió en la Universidad de Oviedo (aunque fue en inglés) y está accesible. Es de Kieu Thi Ngoc Lan y es una tesina de 86 páginas: Cinema of Affects: A Deleuzian-Feminist Analysis of Body and Spacein Contemporary Vietnamese Films. En este contexto también puede ser de interés leer el libro Transnational Feminism in Film and Media, donde varios capítulos abordan el tema en el sudeste asiático. 

En español solo hemos encontrado un breve texto sobre la cineasta Trinh T. Minh-ha y otro publicado en la revista Nosferatu y escrito por Keiko Kawaguchi: Películas vietnamitas de los 90. Como vemos, las cinematografías de Asia del este todavía siguen siendo unas desconocidas para los lectores hispanos, que solo pueden entrar con mayor profundidad en la japonesa y quizás en la china. Poco a poco también en al coreana, pero dejando al resto más allá de la marginalidad. Con este artículo intentamos recopilar un poco de los materiales que nos pueden servir para conocer mejor y comenzar a investigar el cine vietnamita. Así pues, aquí dejamos una breve introducción de Anya Kordecki, y este breve texto que también repasa la historia de este cine y varias películas que podéis encontrar en Youtube (puede que muchas sin subtítulos, pero dejaos llevar y antes que buscar entender, intentad sentir y pensar la imagen).

Trần Anh Hùng

1. El olor de la papaya verde (Mùi đu đủ xanh, Trần Anh Hùng, 1994)

2. Cyclo (Xích lô, Trần Anh Hùng, 1995)



3. The Vertical Ray of the Sun  (Mùa hè chiều thẳng đứng, Trần Anh Hùng, 2000)

Tony Bui

1. Three Seasons (Ba mùa, Tony Bui, 1999)

Minh Nguyen-Vo

1. Buffalo Boy (Mùa len trâu, Minh Nguyen-Vo, 2004)

Luu Huynh

1.The White Silk Dress (Áo lụa Hà Đông, Luu Huynh 2006)

2.The Legend is Alive (Huyèn Thoai Bát Tù, Luu Huynh, 2006)

Dang Nhat Minh

1. When the Tenth Month Comes (Bao Gio Cho Den Thang Muoi, Dang Nhat Minh, 1985)

Otras películas

1. Muoi: The Legend of a Portrait (Meu-i, Kim Tae-kyeong, 2007) Coproducción coreana y primera película de terror del cine vietnamita.

2. Gangsta Girls (Nu Tuong Cuop, Lê Hoàng, 2004) Película que surge, entre otras, de la permisión del topless en las películas vietnamitas en el año 2002.



3. Street Cinderella (Lọ lem hè phố, Phim nam, 2004) Película que surge, entre otras, de la permisión del topless en las películas vietnamitas en el año 2002.



4. Dance Girl (Gai nhay, Lê Hoàng, 2002) Película que motiva la permisión del topless en las películas vietnamitas.

5. The Sound of the Violin in My Lai (Tiếng vĩ cầm ở Mỹ Lai, Trần Văn Thủ, 1999) Cortometraje ganador de varios premios. 3 partes. En Youtube las otras 2.



6. Hanoi Through Whose Eyes? (Hà Nội trong mắt ai? , Trần Văn Thủ, 1983) 



7. Cánh đồng hoang (The Wild Field, Nguyễn Hồng Sến, 1980)


8. Mùa gió chướng (Season of the Whirlwind, Nguyễn Hồng Sến, 1978) Dividido en varias partes. Continuar viendo en Youtube.



9. Chúng Tôi Muốn Sống (We Want To Live, 1956)



10. Người Tình Không Chân Dung (Warrior, who are you?,  Hoàng Vĩnh Lộc, 1971)



11. Nguyễn Văn Trỗi (1966)



12. Em bé Hà Nội (Girl from Hanoi, 1974) 



13. Chị Tư Hậu (Sister Tư Hậu, Phạm Kỳ Nam 1962)



14. Du kích Củ Chi (Củ Chi Guerillas, Phim Tái Liêu, 1967) 



15. Đáng đời Thằng cáo (A Just Punishment for the Fox, 1960) Película de animación.

16. Nguyễn Hồng Nghị, Chung một Dòng sông (Together on the Same River, 1959). Considerada la primera película del país, ya independiente.

Y si os han gustado todas estas películas, os recomendamos este canal de Youtube de Phim Viet Nam (Películas de Vietnam). Además, siempre podes consultar la Wikipedia para saber más títulos y bucear por Youtube, pues hay cientos de películas que no hemos añadido y están en la red.

Hayao Miyazaki. La animación con humanidad

En este blog hemos intentado siempre cercanos a todo tipo de nacionalidades, géneros, estilos... pero todavía no le habíamos podido dedicar un post al cine de animación. Así pues, para ir ampliando nuestro registro hemos decidido dedicarle este artículo al cine de Hayao Miyazaki. Aquí podéis encontrar una profunda conversación con Roland Keits, un pequeño video-ensayo que indaga en la humanidad de las historias del cineasta nipón, varios interesantes textos analíticos que incurren en muy diferentes aportaciones del cine de Miyazaki, y un recorrido a toda su filmografías con enlaces a varias de sus películas más emblemáticas. Bienvenidos al mágico mundo de Miyazaki.

The Essence of Humanity

Hayao Miyazaki in Conversation with Roland Kelts

Análisis [haced clic en el título para acceder a los textos]

1. Ideología y poder en el anime japonés: La princesa Mononoke 
(Tanía Lucía Cobos, Tecnológico de Monterrey, campus Monterrey)

2. El cine de Hayao Miyazaki: ensayo crítico sobre su vida y obra
(Rosa Ivonne Padilla Pedazas, Universidad Autónoma de México)

3. La filosofía del viento: un análisis del lenguaje en el cine de Hayao Miyazaki 
(Juan David Martínez Zuluaga, revista hojalata nº6)

4. La aportación de los personajes femeninos al cine de Hayao Miyazaki 
(Ana María Perez-Guerrero, Universidad Internacional de La Rioja)

5. Una apuesta por el equilibrio. Problemas medioambientales de Japón en la obra de Hayao Miyazaki
(Alicia Nuñez Puerto, Universitat Oberta de Catalunya)

Libros recomendados

- El mundo invisible de Hayao Miyazaki (Laura Montero Plata, Dolmen Editorial, 2014)
- Mi vecino Miyazaki (Álvaro López Martín, Diabolo Ediciones, 2015)
- Antología del Studio Ghibli. Volúmenes 1 y 2 (Manuel Robles, Dolmen Editorial, 2013)


Películas [haced clic en el link debajo del poster para ver la ficha en Cultmoviez.info]

1. Nausicaä del Valle del Viento (1984)

http://www.cultmoviez.info/5623/nausicaa-of-the-valley-of-the-wind.html

2. Mi vecino Totoro (1988)

http://www.cultmoviez.info/5615/my-neighbor-totoro-2.html

3. Porco Rosso (1992)

http://www.cultmoviez.info/1729/porco-rosso.html

4. La princesa Mononoke (1997)

http://www.cultmoviez.info/1862/princess-mononoke.html

5. El viaje de Chihiro (2001)

http://www.cultmoviez.info/5632/spirited-away.html

6. El viento se levanta (2013)

http://www.cultmoviez.info/18434/wind-rises.html

Chantal Akerman y el espíritu de los años setenta

Partiendo de un texto  de Janet Bergstrom (UCLA) que analiza la obra de Chantal Akerman en los años setenta hemos decidido recopilar gran parte de su filmografía del periodo y realizar una pequeña retrospectiva sobre la cineasta belga, que acompañamos con entrevistas y un cortometraje-ensayo sobre su emblemática Jeanne Dielman (1972) dirigido por el ganador del Goya, Fernando Franco.

Chantal Akerman y el espíritu de los años setenta, por Janet Bergstrom [Publicado en Intermedio DVD]

El mes de enero de 1976, Le Monde proclamaba que la película de Chantal Akerman “Jeanne Dielman” era nada menos que “la primera obra maestra rodada en femenino de la historia del cine“. La sorprendente concreción y la originalidad de la puesta en escena de Akerman, junto con el tema de su película, convirtieron Jeanne Dielman en un notable símbolo de su época, los turbulentos años setenta, cuando el feminismo irrumpió en el campo de “la política y el cine“. En “Jeanne Dielman” Akerman quiso reflejar la insistente presencia de un punto de vista exterior a la historia, a saber, el suyo: el de una joven obsesionada con el mundo de la generación de su madre. Esta posición de “testigo apasionado” (como la llamó la propia Akerman) determinaba tanto el estilo nada convencional de la película (imágenes frontales, un montaje elíptico y disyuntivo que se apartaba de las normas clásicas) y su tema (la alienación de una mujer que mezcla su rutina diaria de ama de casa con una discreta especie de prostitución que la arrastra al asesinato). Parece, todavía hoy, asombrosamente actual.

No es que Jeanne Dielman fuera la única película innovadora que Akerman hizo en los setenta. A lo largo de la década toda su obra, lo mismo que sus entrevistas, reflejaban una manera de concebir el cine como una forma de arte única que cada nueva película podía, y debería, renovar (un modo de entender la película como algo que, conceptualmente, ha de solucionar problemas). Este gusto por la experimentación, que provenía del arte de vanguardia, resultó fundamental para la manera en que muchos directores y espectadores encontraron un punto de coincidencia a partir del cual pudieron hablar o discutir sobre películas del lado llamado independiente de la producción. En parte gracias a una serie de salas que en numerosas ciudades se empeñaron en exhibir cine de calidad, estas películas no pasaron desapercibidas. Eso no era todo: existían sistemas de financiación, distribuidoras, salas de cine y revistas especializadas en cuyas páginas eran analizadas, aparte de un público cada vez más comprometido y apasionado. Este aspecto de los años setenta nos parece ahora probablemente más lejano que las furiosas polémicas en torno a “la política y el cine” o “el feminismo y el cine“, pero la gente hablaba y escribía sobre él con idéntico interés. ¿Qué se entendía, después de todo, por “político“?

Continuar leyendo en: Intermedio DVD

Saute ma ville (1968)

La chambre (1972)

Hôtel Monterey (1972)



Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1972)
[Film completo en https://www.youtube.com/watch?v=ncYs7jPRVJg&list=PL9A248DA2FBE7B0F6]



Je, tu, il, elle (1976) [Film completo en https://www.youtube.com/watch?v=0etFbGUqvWQ]

News from Home (1977)

Les Redez-vous d'Anna (1978)



J'ai faim, j'ai froid (1984)

Entrevista (Partisan Films):

Chantal Akerman + Catherine Breillat. Film Theory. (2001)[Film completo en https://www.youtube.com/watch?v=G6LdyutA-rk]

Les variations Dielman (Fernando Franco, 2010)

Manoel de Oliveira

La triste noticia de la muerte de Manoel Oliveira a los 106 años, haciendo cine hasta el último suspiro  ha sacudido al cine de autor en los últimos días. Nuestra manera de rendirle homenaje es dedicarle esta profunda retrospectiva que abarca toda su trayectoria, desde su primer filme Douro, fina fluvial (1931) hasta uno de los últimos O Gebo e a sombra (2012). Largometrajes, cortometrajes, ficción, documental... además de varios reportajes, entrevistas y conferencias como la de la serie Cinéma de notre temps, que recopilamos al final del post.

A modo de introducción y presentación del cineasta recogemos el texto de Carlos Reviriego publicado en El cultural el 3 de abril de 2015:

Manoel de Oliveira frente al destino CARLOS REVIRIEGO

1. Aseguran que tenía una película preparada para este momento. Que algunos ya la habrán visto y que probablemente se presente mundialmente en mayo (¿en el Festival de Cannes?). Se titula Visita o memorias y confesiones(1982) y la filmó cuando apenas tenía 74 años, y por lo visto se trata de una especie de docudrama en el que el cineasta se retrata bajo el régimen del dictador portugués con el que irónicamente compartía apellido: António de Oliveira Salazar. Es la jugada perfecta que el sabio Manoel Candido Pinto de Oliviera tenía guardada frente al destino, con el que tanto fabuló, ese concepto sobre el que probablemente edificó toda su filmografía. Otra forma de rebelarse contra la muerte como lo ha hecho en vida, a lo largo de 106 años, dicen. Aunque el secreto mejor guardado es que quizá fuera incluso dos años mayor, según y donde se consulte su fecha de nacimiento, pues algunos estudiosos señalan que Oporto le vio en verdad nacer en 1906, no 1908, como rezan las biografías oficiales y ahora los obituarios. En algún momento de su dilatada vida con muchas vidas dentro -antes de dirigir películas fue actor de cine mudo, piloto de carreras, pertiguista olímpico, etc.- aprovechó un error en su cédula de identidad para quitarse un par de años. 

Sea cierto o no, nada puede ya alterar su récord de longevidad en la historia del cine. Que me venga a la mente, uno de los directores más cercano a hacerlo probablemente el lituano Jonas Mekas. ¡Y aún le quedan 13 años para alcanzarlo! A el polaco Andrej Wajda le restan 18. Sea cierto o no, Manoel de Oliveira es hoy más inmortal de lo que era ayer. Y mañana y en dos años y en el siglo venidero lo seguirá siendo. Eso lo saben todos los que aman el cine.

Probablemente el motivo más común de que se hable y se escriba ahora sobre él en lugares donde nunca se ha hecho (hasta el telediario de TVE), es por la longevidad que alcanzó, más que por la imperecedera juventud de sus películas. Es el único director en activo que empezó en el cine mudo.... y blablabla. Bien es cierto -en Lisbon Story, Wim Wenders lo filmó como un trasunto de Charles Chaplin-, pero no es lo más relevante ni tan siquiera lo más extraordinario. La genuina excepcionalidad de Oliveira no hay que buscarla en las anécdotas biográficas, por más sorprendentes que sean: dirigió su primer largometraje de ficción con 33 años (Aniki Bóbó), y su segundo con 63 (O Passado e o Presente), y no fue hasta los 73 años de edad, cuando la mayoría de cineastas han entrado en decadencia o tirado la toalla, que se convirtió en un director a tiempo completo, dedicado a su arte y su talento. A partir de entonces floreció su genio: entregó tres decenas de largometrajes y una docena de cortometrajes en treinta años. La genuina excepcionalidad del maestro luso hay que buscarla, cómo no, en sus películas.

Véanlas, pues poco se vieron en vida de él, aunque muy contados cineastas fueron tan altamente venerados. Ironías de la hipocresía (o la ceguera) cultural que reina en tantos sitios, y de la que no están libres los medios de comunicación, altavoces de la vertiente mercantil de la cultura. Algunos cronistas miopes y perezosos lo detestaban, hay que decirlo. Uno bien conocido (cuyo nombre solo mancharía este texto escrito desde la urgencia) hasta pidió que el joven anciano muriera antes para no tener que "soportar" sus trabajos como cronista oficial del periódico para el que trabajaba. El mismo que también escribió años antes que ojalá Godard se hubiera matado en el accidente de moto que tuvo en la resaca del 68 por los mismos, estúpidos, fascistas motivos.

2. Acaso ningún otro director ha sabido como supo el portugués sintetizar y abarcar en una sola película la historia y la cultura entera de un país, su país. La película en cuestión, No, o la vana gloria de mandar (1990), cumple ahora 25 años. Ni siquiera El arca rusa de Alexander Sokurov puede competir con ella. [Nota cinéfila: los maestros portugués y ruso mantuvieron un diálogo de tres horas en el Festival Vila do Conde sobre cine, arte y religión, grabado en vídeo por el propio Oliveira, allá por 1995]. Por aquel entonces fue cuando yo descubrí No, o la vana gloria de mandar, y desde entonces me arrodillo ante cualquiera de sus películas (las que hizo antes y las que ha hecho después, hasta anteayer mismo), me gusten más o me gusten menos, las entienda debidamente o no. En todas y cada una de ellas podemos encontrar una ventana al gran cine, o al cine entendido como un arte equiparable a cualquiera de las artes más nobles. El sueño del alemán Astruc, ya saben: en la pantalla también se pueden escribir ensayos teológicos o tratados metafísicos, también se pueden componer poemas y obras tan profundas como el Discurso del método.

Mentar a Descartes, como lo mentó Astruc en su famoso texto sobre la caméra-stylo, no es algo aleatorio en el caso de Oliveira. Su método racional era su discurso artístico. Aprovechó diversas entrevistas a lo largo de su vida para explicar aquello que por otro lado queda de manifiesto en sus películas, sobre todo después de escucharle. Que el hombre es un ser racional, que la emoción y el sentimentalismo enturbian su raciocinio, y el del espectador, y que por eso es tan tramposo buscar la "emoción fácil" en el arte. Solía hablar también de la tragedia griega, de cómo en ella la razón siempre prevalecía sobre la emoción, precisamente para poder formular un juicio sobre lo que estamos viendo y sintiendo. De ahí que el efecto general que producen sus películas en los espectadores no iniciados o advertidos sea invariablemente algo parecido a la frialdad. De ahí la distancia y la quietud y el artificio y la supuesta teatralidad desde la que filmó sus historias o las que adaptó de la literatura, como lo hicieron también otros gigantes llamados Dreyer, Ozu y Bresson. Parafraseando a Oliveira, esa clase de maestros -a cuya estirpe sumaríamos sin pestañear su nombre- filmaban desde cierta distancia para que el juicio crítico del espectador no se desvaneciera.

El cine, por tanto, no era para Oliveira una cuestión de movimiento. Los pictóricos planos que se suceden en sus filmes, como tableaux vivants, apenas admitían los movimientos de cámara. Los más importantes directores de fotografía iluminaron sus historias: de Renato Berta a Sabine Lancerin, tan habitual en su cine como Mário Barroso. Los más importantes y audaces productores financiaron sus películas: de Paulo Branco a Luis Miñarro. Los más prestigiosos intérpretes encarnaron sus criaturas: Michel Piccoli, Luis Miguel Cintra, Leonor Silveira, Catherine Denueve, John Malkovich, Irene Papas... Los actores bien lo saben: el cine de Oliveira, más bien, pertenece a la palabra, sea portuguesa o francesa o inglesa o española. Su cine es esencialmente hablado, y no solo esa maravilla titulada Un filme falado (2003) que dirigió tras el trauma del 11S, donde embarcó a varios de los rostros habituales de su filmografía en un crucero por el mediterráneo para meditar políglotamente sobre los logros de la civilización, y en el desenlace cortar a negro tras un inexplicable ataque terrorista que petrifica y enmudece a los personajes y al público. De aquello, de que la imagen es una construcción verbal ("si digo mesa, ves una mesa", decía), es sobre lo que en gran parte conversan el cineasta luso y el poeta Pere Gimferrer en el texto que ocupó la portada de El Cultural (conversación que tuve el honor de alentar y editar) a propósito del estreno en España de El principio de la incertidumbre. Nos revela (recuerda) que el verdadero movimiento del cine es el tiempo. Y quién es el audaz que a estas alturas vaya a enmendarle la plana a Deleuze.

3. Insisto que nunca es ni será tarde para descubrir el cine de Manoel de Oliveira. No todas las puertas de entrada a su obra están igual de abiertas. Hay algunas que de hecho aparentan estar herméticamente cerradas, aunque siempre existe una llave para abrirlas. Es útil saber que comenzó haciendo cine bajo los códigos de lo que alguna vez se llamó "teatro filmado", una expresión que se ha utilizado superficial y peyorativamente por determinada crítica para caracterizar el trabajo del portugués prácticamente desde que hizo la miniserie televisiva Amor de Perdiçao: Mémorias de uma Familia (1979), con la que al menos en Portugal adquirió considerable relevancia. Es ésta saga familiar de amores condenados una generosa vía de acceso al valor de su arte. Aparte de un claro ejemplo de que la "televisión de autor" no nació realmente ni con David Lynch ni con la HBO. 

Recomiendo en todo caso desde mi inopia hacerlo con Os canibais (1988), El valle Abraham (1993), Vuelvo a casa (2001), o con alguna de sus últimas películas, como la deliciosa Singularidades de una chica rubia (2009), donde la guasa buñuelesca que ya sublimaba en Belle toujours (2006) adquiere un grado de refinamiento inalcanzable para los mortales (recordemos: Manoel de Oliveira es inmortal), o la mágica El extraño caso de Angélica, que ponía en forma aquello que el legendario crítico Serge Daney escribió sobre la forma de hacer cine del portugués, "a la vez muy arcaica y completamente insolente".

Aquella película la protagonizó Pilar López de Ayala, que quizá pueda revelarnos historias para la posteridad, como también Marisa Paredes, que formó parte del elenco de Espelho mágico (2005). El arte y la cultura española nunca fueron ajenos al más importante de los cineastas portugueses, con permiso de João Cesar Monteiro (1934-2003) y de sus compatriotas en activo (Pedro Costa, Manuel Gomes, João Pedro Rodrigues o Joaquim Pinto, responsable del trabajo sonoro de varios filmes de Olivieira); como tampoco lo ha sido el humor frente a la gravedad, la compasión frente a la inclemencia, o la levedad frente a la densidad con la que generalmente se asocia su cine. A medida que se hacía más sabio, la fina socarronería o el gag visual tomaron mayor protagonismo en sus películas. Incluso propulsaron el tono de partida. Se aprecia no tanto en su último largometraje, Gebo y la sombra (2012) -¿alguien se dignará ahora a estrenarla en España?-, como en sus aún más recientes cortometrajes.

En Conquistador conquistado, donde se mide en una película colectiva financiada por la ciudad de Guimarães con Aki Kaurismäki y Víctor Erice -profundo conocedor y admirador de la obra de Oliveira: le recuerdo fotografiando con una pequeña cámara digital varios planos en un pase privado de El principio de incertidumbre, en un tiempo en el que los móviles no tenían cámara-, entrega una gran broma un costa de un guía cultural y un grupo de turistas en la que el director tiñe de nostalgia y pesimismo el presente de Portugal en contraste con su glorioso pasado. Y en su última película, O Velhelo de Restreio, que emerger como una última muestra de su hermanamiento ibérico, se toma la simpática licencia de reunir en nuestro tiempo a su olimpo literario: Don Quijote (o Cervantes vestido como su personaje), Luís Vaz de Camoes, Teixeira de Pascoaes y Camilo Castelo Branco.

Acaso solo un hombre que decidió dedicarse al cine a una edad en la que la mayoría de la población empieza a perder o ya ha perdido la lucidez, pueda hacer dialogar el pretérito y el presente con la insistencia, naturalidad y sabiduría con la que él lo ha hecho. Quizá porque al destino, que quiso que se desvaneciera un Jueves de Pascua, no se le puede juzgar. Y de eso don Manoel sabía más que nadie en el planeta. 

Filmes

Douro, faina fluvial (1931)
(El vídeo está dividido en 2 partes, aquí dejamos la primera, para acceder a las demás ved el vídeo en Youtube y continuad con la lista)




Famaliçao (1940)



Aniki Bóbó (1942)




O Pintor e a Cidade (1956)

Acto de primavera (1963)




A Caça (1964)



As Pinturas do Meu Irmao Julio (1965)



O passado e o presente (1972)



Benilde ou a Virgem Mae (1975)




Francisca (1981)



Nice - À propos de Jean Vigo (1983)



Le soulier de satin (1985)



Mon cas (1986)



Os Canibais (1988)



No, o la vana gloria de mandar ("Non", ou a va gloria de mandar , 1990)



La Divina Comedia (A Divina Comédia, 1991)

El valle de Abraham (Vale Abraao, 1993)

Party (1996)



Inquietude (1998)



Palabra y utopía (Palavra e utopia, 2000)



Viaje al principio del mundo (Viagem ao Princípio do Mundo, 2001)

(El vídeo está dividido en 9 partes, aquí dejamos la primera, para acceder a las demás ved el vídeo en Youtube y continuad con la lista)

Porto da Minha Infancia (2001)



El principio de la incertidumbre (O principio da incerteza, 2002)



Una película hablada (Un filme fallado, 2003)



O quinto império - Ontem como hoje (2004)

El extraño caso de Angélica (O estranho caso de Angélica, 2010)



O Gebo e a sombra (2012)



Entrevistas/Documentales/Reportajes/Conferencias

Cinéma de notre temps: Oliveira, l'architecte (1993)

Manoel de Oliveira en Lisbon Story (Wim Wenders, 1994)




Manoel de Oliveira: O caso dele. Documental emitido por RTP2




Ecran - Manoel de Oliveira. Documental emitido por RTP2



Conférence Douchet - Manoel de Oliveira