Chantal Akerman y el espíritu de los años setenta

Partiendo de un texto  de Janet Bergstrom (UCLA) que analiza la obra de Chantal Akerman en los años setenta hemos decidido recopilar gran parte de su filmografía del periodo y realizar una pequeña retrospectiva sobre la cineasta belga, que acompañamos con entrevistas y un cortometraje-ensayo sobre su emblemática Jeanne Dielman (1972) dirigido por el ganador del Goya, Fernando Franco.

Chantal Akerman y el espíritu de los años setenta, por Janet Bergstrom [Publicado en Intermedio DVD]

El mes de enero de 1976, Le Monde proclamaba que la película de Chantal Akerman “Jeanne Dielman” era nada menos que “la primera obra maestra rodada en femenino de la historia del cine“. La sorprendente concreción y la originalidad de la puesta en escena de Akerman, junto con el tema de su película, convirtieron Jeanne Dielman en un notable símbolo de su época, los turbulentos años setenta, cuando el feminismo irrumpió en el campo de “la política y el cine“. En “Jeanne Dielman” Akerman quiso reflejar la insistente presencia de un punto de vista exterior a la historia, a saber, el suyo: el de una joven obsesionada con el mundo de la generación de su madre. Esta posición de “testigo apasionado” (como la llamó la propia Akerman) determinaba tanto el estilo nada convencional de la película (imágenes frontales, un montaje elíptico y disyuntivo que se apartaba de las normas clásicas) y su tema (la alienación de una mujer que mezcla su rutina diaria de ama de casa con una discreta especie de prostitución que la arrastra al asesinato). Parece, todavía hoy, asombrosamente actual.

No es que Jeanne Dielman fuera la única película innovadora que Akerman hizo en los setenta. A lo largo de la década toda su obra, lo mismo que sus entrevistas, reflejaban una manera de concebir el cine como una forma de arte única que cada nueva película podía, y debería, renovar (un modo de entender la película como algo que, conceptualmente, ha de solucionar problemas). Este gusto por la experimentación, que provenía del arte de vanguardia, resultó fundamental para la manera en que muchos directores y espectadores encontraron un punto de coincidencia a partir del cual pudieron hablar o discutir sobre películas del lado llamado independiente de la producción. En parte gracias a una serie de salas que en numerosas ciudades se empeñaron en exhibir cine de calidad, estas películas no pasaron desapercibidas. Eso no era todo: existían sistemas de financiación, distribuidoras, salas de cine y revistas especializadas en cuyas páginas eran analizadas, aparte de un público cada vez más comprometido y apasionado. Este aspecto de los años setenta nos parece ahora probablemente más lejano que las furiosas polémicas en torno a “la política y el cine” o “el feminismo y el cine“, pero la gente hablaba y escribía sobre él con idéntico interés. ¿Qué se entendía, después de todo, por “político“?

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Saute ma ville (1968)

La chambre (1972)

Hôtel Monterey (1972)



Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1972)
[Film completo en https://www.youtube.com/watch?v=ncYs7jPRVJg&list=PL9A248DA2FBE7B0F6]



Je, tu, il, elle (1976) [Film completo en https://www.youtube.com/watch?v=0etFbGUqvWQ]

News from Home (1977)

Les Redez-vous d'Anna (1978)



J'ai faim, j'ai froid (1984)

Entrevista (Partisan Films):

Chantal Akerman + Catherine Breillat. Film Theory. (2001)[Film completo en https://www.youtube.com/watch?v=G6LdyutA-rk]

Les variations Dielman (Fernando Franco, 2010)

Holy Movies: Len Lye

Nuestros amigos de Experimental Cinema (también en facebook) nos ayudan a describir en pocas líneas a Len Lye:

Len Lye, nacido Leonard Charles Huia Lye (5 de Julio de 1901, Christchurch, Nueva Zelanda - 15 de Mayo de 1980, Warwick, Nueva York), fue un artista neozelandés conocido principalmente por sus filmes experimentales y esculturas cinéticas.

A principios de los años 20, Lye viajó a lo largo del pacífico Sur. Pasó largos periodos de tiempo en Australia y Samoa, de donde fue expulsado por la administración colonial de Nueva Zelanda por vivir en una comunidad indígena.

Lye se trasladó a Londres en 1926, ganándose el pasaje en un barco de vapor como distribuidor de la carga de carbón. Allí se unió a la Seven and Five Society, expuso en la Exposición Internacional Surrealista de 1936 y comenzó a relaizar filmes experimentales. Tras su primer filme de animación, Tuslava (1929), Lye comenzó a realizar fiklmes en asociación con la British General Post Office (GPO).

Lye trabajó también para el sucesor de la GPO Film Unit, la Crown Film Unit, produciendo películas de información en tiempo de guerra. Dejando a su familia en Inglaterra, Lye se mudó a Nueva York en 1943. Lye continuó experimentando con las posibilidades del cine directo hasta el final de su vida. En varios filmes utilizó un diverso rango de tintes, plantillas, aerógrafos, rotuladores, sellos, peines e instrumentos de cirugía, para crearimágenes y texturas sobre el celuloide.

Lye fue además un importante escultor cinético. Veía tanto al cine como a la escultura cinética como aspectos de un único "arte del movimiento", sobre el que teorizó de una forma muy original en sus ensayos (recogidos en el libro Figures of Motion).

Lye fue siempre un independiente, sin acomodarse a las habituales etiquetas arrísticas. Aunque nunca se labró un gran nombre, su obra era familiar para muchos cineastas y escultores cinéticos - era una especie de "artista de artistas", y susinnovaciones han tenido influencia internacional. También es recordado por su fuerte personalidad, su forma de vestir, y sus métodos poco ortodoxos de enseñanza.

Así pues, Len Lye es todo un ejemplo para nosotros, y por ello le dedicamos un post retrospectiva con la mayor parte de su obra como director. Desde esa obra maestra de la animación que es Tusalava (1929) hasta su última pieza Particles in Space (1966), el trabajo de Lye ofrece un recorrido alternativo en la historia del cine.

1. Tusalava (1929)

2. Kaleidoscope (1935)

3. A Colour Box (1935)

4. The Birth of a Robot (1936)

5. Rainbow Dance (1936)

6. Trade Tatto (1937)

7. Colour Flight (1938)

8. N or NW (1938)

9. Swinging the Lambeth Walk (1940)

10. Kill or Be Killed (1942)

11. Color Cry (1952)

12. Free Radicals (1958)

13. Tal Farlow (1958)

14. Particles in Space (1966)

Holy Movies: Maya Deren

Para presentar a Maya Deren vamos a copiar la introducción que Artea Editorial publica en su web acerca del libro "El universo dereniano. Textos fundamentales de la cineasta Maya Deren":

Figura controvertida donde las haya, Maya Deren (Kiev 1917-Nueva York 1961) fue una trabajadora incansable desde su más temprana juventud. Fue escritora de prosa, poesía y ensayos políticos, y una apasionada de la danza y de la fotografía; pero, ante todo, fue una cineasta (“amateur”, como a ella le gustaba decir, en el sentido de “amante”) que tuvo un modo particular de entender el cine. Defensora a ultranza del medio cinematográfico como forma de arte, Deren nunca cejó en su empeño de buscar el lenguaje propio y único de este arte del tiempo y del espacio, ni de luchar por su independencia del resto de las artes. Maya Deren ha sido considerada, además, madre de lo que, en aquel momento, el crítico John Martin denominó Choreocinema y que podemos traducir como Coreocine –forma precursora de la Videodanza-. A pesar de que, por diferentes motivos, la figura y la obra de Maya Deren han permanecido, injustamente, durante años en la sombra, su labor y su herencia, tanto creativas como teóricas, han influenciado –y lo siguen haciendo- a multitud de artistas; y su manera de trabajar contribuyó, en gran medida, a la apertura de nuevos cauces deproducción y distribución de la obra artística audiovisual. Deren pertenece al tipo de cineastas y artistas que elaboraron toda una teoría sobre su propio arte de un modo creativo y analítico al mismo tiempo, siendo demiurga de una poética y teoría del cine propias. 

Publicamos aquí algunos de sus notables trabajos:

1. Meshes Of The Afternoon (1943)

2. Witch's Cradle (1944)

3. At Land (1944)

4. Ritual in Transfigured Time (1946)

5. Meditation on Violence (1948)

6. The Very Eye Of Night (1958)

Josetxo Cerdán y el cine documental

Es verano. Una época del año en la que apetece coger la cámara y salir a experimentar con la realidad. Un periodo en el que apetece ver un cine refrescante y rápido, ágil. Evasivo, pero reflexivo. Y ¿qué mejor muestra de ello que los trabajos de Andrés Duque, Virginia García del Pino, Carlos Vermut, David Domingo, Los Hijos, Jorge Tur... que podemos ver en PLAT? 

Josetxo Cerdán es uno de los historiadores/investigadores más importantes de nuestro cine y de los que más se han acercado al campo del documental y el cine experimental, terrenos por los que transitan los cineastas mencionados. Uniendo ambas partes, en este post veraniego ofrecemos cuatro textos de Cerdán que recorren desde el auge del documental a comienzos de siglo XXI hasta la actualidad. Desde los "Cuatro puntos cardinales y un centro de gravedad para el documental contemporáneo en España", las "Cartografía(s) del documental en Europa" d(escritas) junto a Ana Vicente, ver "Después de lo real. Pensar las formas del documental, hoy", coescrito con el reconocido catedrático Josep Mª Català y, por último, aprovechando las recientes retrospectivas que Márgenes ha hecho de ellos, y de parte de su obra que podemos encontrar en la mencionada PLAT, Cerdán escribe unos "Apuntes de campo sobre el trabajo de Andrés Duque y Virginia García del Pino". 

1. Quatre punts cardinals i un centre de gravetat per al documental contemporani a l'Estat espanyol

2. Cartografía(s) del documental en Europa. Josetxo Cerdán y Ana Vicente

3. Después de lo real. Pensar las formas del documental, hoy. Josep Mª Català y Josetxo Cerdán

4. Apuntes de campo sobre el trabajo de Andrés Duque y Virginia García del Pino (o por qué los artistas son un coñazo)

5. Conferencia

Canals de distribució del documental independiente. Josetxo Cerdán (Director Festival Punto de Vista) - Vìdeo Dailymotion

Holy Movies: Doctor Ojiplático (I)

"Educación sentimental para la niña de tus ojos", así se define la web Doctor Ojiplático (http://www.doctorojiplatico.com/). Y, la verdad, es que hemos encontrado en ella un rincón de lo mas interesante en Internet. Además de sus apartados de fotografía, ilustración, film & video, literatura y Arte de Cook (¡sorprendente!), también ofrece una valiosa sección dedicada al cine experimental, que será fuente de nuestra sección Holy Movies.

En ella podemos ver películas de Otakar Vávra, Henri Storck, Marcel Duchamp, Man Ray, Jay Leyda, Ralph Steiner, Rene Clair y otras tantas más que no tienen desperdicio, y a las que poco a poco se le van sumando diamantes ocultos del cine de culto. Para presentaros la web y, especialmente esta sección, posteamos en aquí algunas de las películas que podéis encontrar en Doctor Ojiplático, tanto en su web, como en su canal de youtube (imprescindible visitarlo: con sinfonías urbanas, cine experimental y cine pre-code de Hollywood, además de otras secciones igual de interesantes). También cuenta con página de Facebook y canal en Vimeo. Dado que en su propia web cada película cuenta con una buena reseña nos limitaremos a linkear en cada título la ficha de la película:

1. Ballet Mécanique (Fernand Léger y Dudley Murphy, 1924)

2. Images d'Ostende (Henri Storck, 1929)


3. Anemic Cinema (Marcel Duchamp, 1926)



4. Entr'acte (Rene Clair, 1924)


5. Zijeme v Praze (Otakar Vávra, 1934)